martedì 4 giugno 2013

DANAE - Tiziano


DANAE (1545) Tiziano Vecellio 
Gallerie di Capodimonte - Napoli
Olio su tela cm 120 x 172


Cominciata a Venezia e terminata a Roma, la tela è un dono personale di Tiziano al raffinato cardinale Alessandro Farnese, nipote di papa Paolo III e promotore del viaggio a Roma del pittore. Mentre era ancora in fase di abbozzo, monsignor Della Casa la descrive così al cardinale Farnese: 
"Una nuda che vi faria venire il diavolo addosso".
In effetti, Tiziano ha conferito all'immagine di Danae, visitata da Zeus sotto forma di pioggia d'oro, una vibrante sensualità, ancora più viva rispetto a quella - pur già tanto fremente - presente nella Venere di Urbino () sempre secondo quanto dice monsignor Della Casa, quest'ultima, rispetto alla Danae Farnese, "pare una teatina".
Le pennellate sono morbide e sfatte, come spesso in Tiziano; il pittore supera, con quest'opera, la troppa sottolineatura della plasticità dei corpi, come nei lavori precedenti, per approdare ad uno stile libero e coloristicamente puro.
  
VENERE D’URBINO (1537-1538) - Tiziano Vecellio (Vedi scheda)
   
Nei ritratti di Tiziano, ciò che distingue il linguaggio, specie se confrontato con quello degli imitatori, è che quelle ampie stesure di colore visualizzano sempre il movimento di una figura sorprendendolo nell'attimo, inesistente nella continuità temporale di cui noi abbiamo esperienza, in cui si offre al massimo della sua ostensibilità, al punto che il moto si allenti fino a fermarsi sopraffatto dall'inquartarsi delle zone di colore e sia possibile godere lo spettacolo di un risvolto che s'imbastisce al dritto della veste, di una camicia che si spartisce lo spazio con un campo di nudità fiorente, di uno scollo che s'inquarta tra le bande di un collare di pelliccia. Ma è chiaro che si tratta di un attimo di stasi in un movimento, perché le cuciture di quei piani, anche delle figure che posano per un rilratto sono sempre inarcate, tese a generare lo spazio del dipinto.


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CANESTRO DI FRUTTA "Fiscella" (Basket of Fruit)- Caravaggio


CANESTRO DI FRUTTA (1596)
Michelangelo Merisi detto il Caravaggio
Milano, Pinacoteca Ambrosiana.
Olio su tela cm 46 x 64
   
Il cestino è noto anche come "Fiscella": così la definisce il cardinale Federico Borromeo, a cui il Del Monte la inviò in dono. Si è detto che con quest'opera Caravaggio apre e chiude il genere della natura morta: e, in effetti, per la prima volta un canestro di pochi frutti, dimesso e spoglio, viene elevato al rango di assoluto protagonista dell'arte, non più come "oggetto" ma come "soggetto". 
D'altra parte, nonostante la successiva fortuna della pittura di nature morte, in Italia e all'estero, la suggestione profonda raggiunta da Caravaggio non è stata mai più ritrovata. 
Il baco che perfora la mela al centro della composizione ci offre la precisa nozione del tempo che passa, e scava nel profondo delle cose, corrodendone I'essenza. 
  
      
Il Canestro di frutta fa parte della Pinacoteca Ambrosiana di Milano fin dalla sua fondazione, essendo stato donato dal cardinale Del Monte a Federico Borromeo: è I'unica vera e propria "natura morta" di Caravaggio riconosciuta da tutti gli studiosi (1596). Siamo agli esordi di un particolare genere di pittura, e Caravaggio vi pone un sigillo indelebile: il baco che perfora la mela, al centro della composizione, trasforma un saggio di abilità mimetica in un brano di emozionante realtà, in cui s'insinua il senso del tempo che trascorre, e passando corrode le cose, le avvia all'inevitabile deperimento.
Con dipinti come questo, nei primi tempi della permanenza presso il cardinale Del Monte, Caravaggio sembra volersi fermare su momenti di meditazione raccolta, sempre intonata a una pensosa malinconia.

Caravaggio sono state attribuite numerose altre nature morte, ma nessuna ha incontrato la definitiva unanimità dei critici.


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BACCHINO MALATO (Sick Bacchus) - Michelangelo Merisi da Caravaggio



BACCHINO MALATO (1593-1594) 
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Galleria Borghese, Roma
Olio su tela cm 67×53 cm


Intorno alla vita di Caravaggio sono stati costruiti interi romanzi: almeno cinque sono le biografie scritte dai suoi contemporanei con una tale quantità di dettagli picareschi, da costituire autentici feuilleton di cappa e spada, e da ispirare, anche in tempi recentissimi, versioni televisive e cinematografiche. 
Vita sciagurata e opere straordinarie per un'affascinante figura di artista: eppure (forse appunto a causa delle forzature immaginarie) permangono alcuni interrogativi di carattere cronologico e attributivo.
II primo riguarda proprio la data di nascita. Il vero nome del maestro è Michelangelo, figlio dell'architetto Fermo Merisi; il soprannome risale agli anni romani e deriva dalla cittadina di Caravaggio, tra Milano e Bergamo, di cui il pittore era originario, anche se nato a Milano (secondo le più recenti ricostruzioni) verso la fine del 1571.
Negli anni della sua adolescenza Michelangelo Merisi riceve la prima educazione artistica a Milano, presso il discreto pittore Simone Peterzano. Accanto al primo maestro (occupato in imprese impegnative e ambiziose, come gli affreschi in San Maurizio e nella Certosa di Garegnano) il promettente apprendista trascorre quattro o cinque anni, e si forma all'interno di una duplice tradizione. Da un lato, segue il filone del "realismo" lombardo, che poco prima della metà del Cinquecento aveva trovato nei bresciani Savoldo, Romanino e Moretto illustri esponenti; dall'altro, conosce i grandi maestri del Rinascimento veneto. 
A Milano Caravaggio può studiare un capolavoro di Tiziano, l'Incoronazione di spine, oggi al Louvre, destinato a lasciare un preciso influsso sul suo modo di intendere e rappresentare i drammatici momenti della Passione di Cristo o del martirio dei santi; inoltre, è probabile che il Peterzano abbia condotto con sé l'adolescente allievo durante qualche viaggio a Venezia, e magari gli abbia fatto conoscere il settantenne, attivissimo Tintoretto.
Comprensibilmente, non ci sono pervenute opere risalenti al periodo milanese, tra i quattordici e i diciannove anni del Merisi; non possiamo dunque che ricostruire "a posteriori" le conoscenze e le esperienze artistiche acquisite dal pittore quando, circa ventenne, si trasferisce in modo permanente a Roma.
 I primi tempi sono difficili, se non drammatici: i mezzi limitatissimi. il carattere violento e la fragile salute non aiutano l'inserimento in un ambiente artistico esigente e altezzoso. 
In rapida sequenza, il giovane lombardo entra in rapporto con diversi pittori. 
Dopo un primo soggiorno presso l'oscuro e grossolano Lorenzo Siciliano, e un successivo contatto con l'elegante Antiveduto Gramatica, il Caravaggio si ferma più a lungo presso Giuseppe Cesari, detto il Cavalier d'Arpino. Nella bottega di questo artista "alla moda" si segnala come specialista nel dipingere fiori e frutta.
Anni trascorsi in umili lavori da garzone e in povertà: ne resta una toccante testimonianza in uno dei più precoci dipinti a noi pervenuti, il Bacchino malato nella Galleria Borghese a Roma, del 1591 circa, autoritratto simbolico al tempo di un ricovero in ospedale per un attacco di malaria.
  
   
In assenza di dipinti riferibili alla fase adolesceziale dell'alunnato milanese, questa tela viene ritenuta la più antica opera di Caravaggio a noi nota.
Il quadro è stato così intitolato per via del colorito della pelle del soggetto. Probabilmente Caravaggio eseguì il dipinto osservando se stesso allo specchio per analizzare e riprodurre al meglio la realtà naturale. Le imperfezioni del corpo umano non sono per nulla attenuate, anzi Caravaggio sottolinea col pallore del volto e il colore bluastro delle labbra, la malattia.
Per I'aspetto emaciato e debole, nella figura di Bacco viene spesso riconosciuto un patetico autoritratto ai tempi del ricovero  presso l'ospedale della Consolazione per un attacco di malaria; d'altro canto, la leggera torsione del personaggio e la tonalità argentata sono forse una reminescenza dell'apprendistato compiuto presso Simone Peterzano.


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GIOCHI SUL TEVERE (A Sporting Contest on the Tiber at Rome) Joseph Vernet


GIOCHI SUL TEVERE (1750) 
Joseph VERNET (1714 - 1789) 
Pittore francese 
NATIONAL GALLERY di LONDRA 
Olio su tela cm. 99 x 136 


In quest'opera, di ampie proporzioni, Joseph Vernet ha dipinto un superbo paesaggio animato da numerosi personaggi. 

La precisione con la quale la scena è ritratta, offre allo spettatore la possibilità di conoscere un momento della cultura popolare a Roma: al tramonto di un giorno estivo sulle acque del Tevere, si disputa un torneo fra due uomini che sopra delle imbarcazioni si sfidano con delle lance. 

La gente assiste alla competizione ammassata sulla riva, mentre alcuni nobili si godono lo spettacolo seduti in una terrazza, sotto una tenda di vago gusto orientale. 

Sembra che i due uomini e l'elegante donna in primo piano siano da leggere come l'autoritratto di Vernet in compagnia della moglie, Carlotta, e del suocero, Mark Parker, un cattolico irlandese che viveva a Roma. 

 
La figura nel centro della composizione che si avvia con inchino verso il terzetto dovrebbe essere Pierre-Charles de Villette, consigliere e segretario del re. 

Sullo sfondo è perfettamente riconoscibile Castel Sant'Angelo. 

Oltre che a testimoniare un giorno di festa, questa veduta ci dà la possibilità di conoscere l'aspetto della riva del Tevere prima della disastrosa alluvione del 1890. 

La stessa animosità che caratterizza questa composizione si ritrova anche in una serie di vedute della costa napoletana, che Vernet eseguì qualche anno più tardi. 

La tipologia di Giochi sul Tevere segue la tradizione del vedutismo italiano, particolare di Salvator Rosa, ma anche della veduta velatamente romantica di Claude Lorrain. 

Il pregio di Vernet fu quello di anticipare dei temi e preannunziano la pittura romantica. 


L'OPERA 

La tela, firmata e datata «Joseph Vernet f/ Romae 1750», fu commissionata a Vernet dal marchese de Villette nel 1749. 

Essa fu venduta a John Trumbull il 18 aprile 1765 e passò poi per eredità a Lady Simpkinson, che nel 1853 la donò alla National Gallery di Londra. 


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