mercoledì 30 giugno 2010

BETSABEA CON LA LETTERA DI DAVID (Bathsheba with David's letter) - Rembrandt

  
BETSABEA CON LA LETTERA DI DAVID (1654)
Rembrandt
Pittore olandese
Museo del Louvre - Parigi
Tela cm. 142 x 142
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Pixel 1770 x 1850 - Mb 1,35


Considerata una delle più intime e personali rappresentazioni dell'artista, l'opera fu aspramente criticata dai contemporanei per la rappresentazione troppo realistica del nudo.
La BETSABEA è infatti il ritratto dal vivo di Hendrickje, modella e compagna del pittore.
Assieme alla DANAE dell'Ermitage, a San Pietroburgo, è l'unico nudo di figura umana eseguito a grandezza naturale da Rembrandt.
Si tratta di un'opera realizzata tra il 1650 e il 1660, al culmine dell'attività creativa dell'artista, quando già si era allontanato dai canoni dei suoi contemporanei per rivolgersi verso temi più intimamente spirituali ed interiori.
Nella BETSABEA, infatti, Rembrandt comincia ad usare i colori con maggiore generosità aumentando, con lo sfumato, l'impressione della distanza.
L'effetto generale di questa tecnica è che il nudo, nella sua commovente purezza, si presenta vivo e vicino all'occhio dello spettatore.
Senza la lettera che la figura tiene in mano sarebbe impossibile identificare il quadro con un soggetto biblico, tanto ci appare un'immagine vicina alla sensibilità moderna.
Da notare, inoltre, l'atteggiamento anticlassico dell'artista.
L'armonica bellezza rinascimentale del nudo ha lasciato il posto ad un impietoso realismo attraverso cui Rembrandt mette in mostra i difetti e le imperfezioni fisiche, ma anche la profonda carica umana, della donna.
Per quanto riguarda il soggetto, la storia di Betsabea è narrata nel secondo libro di Samuele.
Essa fu rapita da re David al marito, ufficiale della guardia, per sposarla; dalla loro unione nascerà il re Salomone.

Il quadro di Rembrandt apparve nella vendita Christie's del 25 maggio 1811.
Dopo svariati passaggi entrò nella collezione di Louis La Caze, e quindi fu donato al Museo del Louvre.
Oggi resta uno studio preparatorio.
L'esame radiografico ha rivelato che l'idea primitiva presenta delle diversità rispetto alla redazione finale: la figura femminile è più leggera e meno volumetrica (è stato ridimensionato il ventre).
La testa di Betsabea è stata soggetta a ripetuti ripensamenti.


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LA CENA IN EMMAUS (1648) - Rembrandt






LA CENA IN EMMAUS (Supper at Emmaus) - Rembrandt

 
LA CENA IN EMMAUS
Firmato «Rembrandt f, 1ó48»
Pittore olandese
Museo del Louvre a Parigi
Tavola cm. 68 x 65

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Pixel 2520 x 1780 - Mb 2,08


Questo soggetto fu interpretato a più riprese da Rembrandt e sempre in modo diverso e interessante.
Nel lavoro giovanile del 1629 (conservato al Museo Jacquemart-André di Parigi) l'artista ha messo in rilievo lo stupore dei discepoli dopo il riconoscimento di Cristo, utilizzando anche un ardito gioco di chiaroscuro.
In questa opera del Louvre Rembrandt evita i netti contrasti e l'atmosfera drammatica della raffigurazione precedente.
L'episodio è infatti immerso in un ambiente pervaso di quiete e di gioia, sentimenti che sembrano espandersi, assieme alla luce soffusa, per tutta la stanza.
È molto importante, per l'interpretazione di questo dipinto, il rapporto con la cultura italiana, in particolare con i "Pellegrini di Emmaus" di Caravaggio (Pinacoteca di Brera).
La nicchia centrale, che occupa la parte superiore della composizione, trova riscontro nella pittura di Tiziano e del Veronese.
La posizione centrale di Cristo e la ripartizione simmetrica dei personaggi richiama l'influenza di Leonardo ricevuta dall'artista tramite copie de "L'Ultima Cena" di Santa Maria delle Grazie a Milano.


L'OPERA

L'accurata indagine stilistica dell'artista può essere testimoniata dal confronto della testa del Cristo con schizzi di analogo soggetto collocati al Museo Bredius dell'Aja.
L'impostazione della figura del Salvatore è molto vicina non solo alla copia di Rembrandt dell'Ultima Cena (desunta da un'incisione attribuita al Maestro del Libro d'Ore Sforza), ma viene ripresa anche da redazioni successive dello stesso soggetto, conservate oggi al Kupferkabinet di Berlino e al British Museum di Londra.


REMBRANDT E L'INFLUENZA ITALIANA

Rembrandt conobbe e apprezzò l'arte italiana e tuttavia non si recò mai in Italia, forse per una scelta personale dovuta al suo carattere radicalmente anticlassico.
L'artista svolse i primi anni del suo apprendistato in botteghe di artisti formatisi a Venezia, Firenze e Roma.
Il pittore olandese Pieter Lastman in particolare aveva contribuito a far conoscere nei Paesi Bassi l'opera di Caravaggio, caratterizzata da un vigoroso realismo che, tramite l'uso delle tonalità chiaroscure, accentuava il carattere drammatico dei soggetti raffigurati.
Rembrandt rimase notevolmente influenzato da questi due aspetti della tecnica del pittore italiano, che gli consentirono di distaccarsi ancor più nettamente dal Classicismo.
Lo stile di Caravaggio ebbe ampia risonanza nei Paesi Bassi..., a Utrecht si sviluppò un movimento artistico, i cui aderenti vennero chiamati "i caravaggisti di Utrecht", che contribuì ad allargare ulteriormente la conoscenza dell'artista italiano.


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REMBRANDT E SASKIA CHE BRINDANO (1635 circa) - Rembrandt

  
REMBRANDT E SASKIA (1635 circa)
Rembrandt (1606 - 1669)
Pittore olandese
Staatliche Kunstsammlungen Gemäldegalerie - Dresda
Tela cm. 161 x 131


In un interno con a sinistra un tavolo e a destra una tenda, sono rappresentati di spalle un uomo sorridente con un ampio cappello piumato e una giovane donna seduta sulle ginocchia del compagno: si tratta molto probabilmente di Rembrandt stesso e della moglie Saskia.
I due si volgono verso lo spettatore come se fossero stati colti di sorpresa e, interrompendo il loro festino, invitassero il nuovo arrivato a unirsi a loro.

Dal quadro traspare un clima gaudente e festoso cui partecipano i due commensali e che caratterizzava la vita del pittore negli anni Trenta.
Le tonalità del dipinto sono calde, la pennellata densa e pastosa, mentre l'ambiente rappresentato dà un senso di raccolta intimità.
Straordinaria è la resa delle vesti, dove la preziosità dei velluti e delle mussole sembra tangibile.
Lo stesso si può dire per gli incarnati morbidi e quasi palpitanti.

Rembrandt lavora per zone di colore sovrapposte che si notano distintamente osservando da vicino il quadro.
L'immagine acquista così un marcato effetto di chiaroscuro e una netta evidenza nella materia e nei volumi, mentre l'insieme rivela un'attenta indagine delle variazioni provocate dalla luce artificiale.
L'artista mostra lo stesso interesse, o addirittura amore, nel rappresentare sia gli oggetti che i personaggi: è il vivace senso per la vita domestica che caratterizza da sempre la cultura olandese.

Il quadro, firmato - Rembrandt f - è di solito considerato un autoritratto dell'artista con la moglie Saskia colti in un momento della loro felice unione.
E' stato anche proposto di interpretare l'immagine come "il figliol prodigo nella taverna", ma ciò mi pare meno convincente.
D'altronde la fisionomia della donna sembra corrispondere a quella della moglie dell'artista raffigurata con certezza in altri due dipinti sempre alla Gemäldegalerie di Dresda... il RITRATTO DI SASKIA SORRIDENTE del 1633 e il RITRATTO DI SASKIA CON GAROFANO del 1641.
Fra i due quadri è collocabile l'ALLEGRA COPPIA databile al 1635.


SASKIA, LA MOGLIE DI REMBRANDT

Nel 1631 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam in casa del mercante d'arte Hendrick van Uylenburch con il quale aveva costituito una società commerciale.
Qui conobbe Saskia, la giovane e dolce nipote del mercante, una ragazza di vent'anni dagli occhi castano-verdi, dal carnato delicato e dalle forme molto rotondette.
Rembrandt di sei anni più vecchio, non bello ma dai modi semplici, simpatici e attraenti, cominciava a pensare di interrompere la sua vita di libertino e di sistemarsi.
Così il 22 luglio 1634 sposò la dolce Saskia, uno dei migliori partiti della città, che gli portò in dote la considerevole somma di 40.000 fiorini.
Con la moglie, che diventò sua modella in vari dipinti, si trasferì nel 1635 in una nuova casa e condusse una vita felice e di successo nel lavoro.
Ingenti erano gli acquisti: quadri, gioielli, vestiti, stoffe, suppellettili, sia per Saskia che per la sua collezione, e nel 1639 decise di acquistare una casa più spaziosa e signorile alle soglie del quartiere ebraico.
Purtroppo però Saskia, dopo aver dato alla luce quattro bambini, di cui tre morti prematuramente, si ammalò di tubercolosi e morì nel 1642.


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BUSTO D'UOMO IN COSTUME ORIENTALE (Bust of a man in oriental costume - Baltassar) - Rembrandt


BUSTO D'UOMO IN COSTIUME ORIENTALE (1635 circa)
Rembrandet (1606 - 1669)
Pittore olandese
Rijksmuseum di Amsterdam
Tela cm 72 x 54,5
Clicca immagine per un'alta risoluzione
Pixel 2520 x 1800 - Mb 1,99


Purtroppo non ho trovato notizie specifiche che mi illuminino su quale sia il personaggio raffigurato nell'opera.

A un'attenta osservazione risulta piuttosto evidente che ci troviamo davanti ad un ritratto ben caratterizzato: si guardino l'intensità dello sguardo, la descrizione delle pieghe sotto gli occhi, l'aggrottarsi delle ciglia, il serrarsi della bocca in una mossa di mal controllato sdegno e poi la pelle così visivamente cadente.
Tuttavia il particolare abbigliamento e soprattutto il taglio della barba ci dicono che il personaggio ritratto non appartiene al secolo del pittore, ma doveva riferirsi ad una storia antica, magari biblica.
In realtà in questo stesso anno Rembrandt realizzò molti studi di teste da utilizzare in storie sacre, come quello conservato nella collezione Devonshire a Chatsworth nel Derbyshire, intitolato "Ozia colpito da lebbra".
In virtù del fatto che il turbante alto e gonfio ritorna in un altro quadro di soggetto biblico, "Il festino di Baltassar", conservato alla National Gallery di Londra, datato solo per le prime tre cifre « 163», è stato suggerito che il personaggio ritratto sia uno studio per la figura di Baltassar.

La qualità pittorica di questo dipinto è senza dubbio altissima: si osservi come la fonte luminosa esalti al centro le pieghe del bianco turbante e la catena dorata che vi si avvolge, mentre ai margini via via sfumando, lasciano intuire il soffice volume.
Rispetto al già citato ritratto di Ozia, questo presenta lo stesso tipo di studio nel particolare del turbante, ma manifesta uno scavo psicologico ancora più intenso.
Alle spalle del nostro misterioso personaggio appare un altro misterioso bagliore: la luna velata da una nube rischiara appena lo scuro notturno.
Proprio tra quei bagliori, nell'unico luogo in cui può rendersi visibile, l'artista decide di porre la propria firma.

Rembrandt dipinse questo quadro nel 1635: la nostra certezza deriva dal fatto che l'opera è datata e firmata.
Entrata nel mercato antiquario di Amsterdam nel 1922, l'opera fu dapprima nella collezione di H. Katelaar di Amsterdam e poi in quella di Lord Barnard di Durnham, infine fu donata al Rijksmuseum di Amsterdam nel 1940, dai signori Kessler-Hulsmann.


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