domenica 11 ottobre 2009

CONTRATTO DI MATRIMONIO (The Marriage Contract) - William Hogarth

CONTRATTO DI MATRIMONIO (1744)
William Hogarth (1697 - 1764)
Pittore inglese del XVIII secolo
NATIONAL GALLERY di LONDRA
Olio su tela cm. 68,5 x 89

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Pixel 2500 x 1770 - Mb 2,25


Il contratto di matrimonio fa parte di un ciclo di sei tele, intitolato "Matrimonio alla moda", nel quale Hogarth raffigurò le sfortunate conseguenze di un matrimonio contratto per interesse ed ambizione.

In questo dipinto, l'artista, con stile raffinato e narrazione sciolta, ritrasse il momento della stipulazione del contratto.

La scena si svolge nel salone, in stile "Kent", della casa del padre dello sposo, Lord Squanderfield.

Il conte, seduto sulla destra, appoggia il piede affetto dalla gotta su un panchetto, ed esibisce il proprio albero genealogico, che ha origine con il duca William di Normandia.

Davanti a lui, poggiate sul tavolo, sono delle banconote da mille sterline e monete d'argento, cioè l'ammontare della dote con la quale può pagare l'ipoteca che l'usuraio, in piedi accanto a lui, gli porge.

È possibile che la figura del conte celi in realtà il conte Scardale, oppure John Walpole, nominato conte di Portsmouth nel 1743, che si vantava dei propri antenati sassoni.

All'altro lato del tavolo è il padre della sposa, un facoltoso borghese, che sta studiando il contratto di nozze.

Accanto alla finestra un architetto osserva un edificio palladiano, ancora in costruzione.

A sinistra, sul divano, siedono i due giovani sposi: il visconte con una tabacchiera in mano si rimira allo specchio..., lei, annoiata, gioca con la fede passata in un fazzoletto..., il consigliere Silvertongue corteggia la giovane, mentre tempera una penna d'oca.

Alle pareti sono appesi alcuni quadri famosi: "La Medusa" di Caravaggio..., "Il Martirio di Sant'Andrea" del Domenichino..., "Prometeo, Caino e Abele" e "Giuditta e Oloferne", tutti di Tiziano.

Così come nelle altre tele della serie, nelle quali si conclude la triste storia dei due giovani con la morte di entrambi, la composizione è sciolta e strutturata con vivacità.

Hogarth mostrò grande attenzione sia ai particolari che alle sfumature psicologiche dei personaggi.


Hogarth realizzò la serie del "Matrimonio alla moda" nel 1744.

La loro esposizione pubblica fu annunciata dall'artista sul "Daily Advertiser" del 19 febbraio 1745.

Nel corso della mostra, allestita nella sua casa, l'artista annunciò che i dipinti sarebbero stati da lui venduti appena pronte le incisioni.

La serie venne acquistata, all'asta del 6 giugno 1750, da un certo Lane per centoventisei sterline..., nel 1799 passò nella Collezione Angerstein e nel 1824 fu acquistata dal Governo inglese.


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L'ALBERO ROSSO (The red tree) - Piet Mondrian

  
L'ALBERO ROSSO (1909-1910)
Piet Mondrian (1872-1944)
Pittore olandese
Gemeentemuseum - Den Haag
Tela cm. 70 x 99
CLICCA IMMAGINE alta risoluzione
Pixel 2500 x 1770 - Mb 2,46



Grazie ad una produzione pittorica ciclica, cui quella dell'albero è una delle fondamentali, Mondrian riesce lentamente a maturare i suoi interessi formali.
Nel caso specifico del tema dell'albero l'artista parte da una pittura di tipi naturalistico, ereditata dalla sua formazione accademica, e attraverso varie fasi che potrei definire liberty, fauves e cubista, giunge al puro astrattismo.
Mondrian toglie all'albero, gradualmente, tutti i suoi elementi secondari fino a ridurlo ad uno scheletro: è la più sintetica rappresentazione di un oggetto, epurato da ogni contatto con la realtà.
L'espressionismo sprigionato dai forti toni cromatici e dalla larga pennellata, indica come Mondrian abbia fortemente risentito dell'influenza del conterraneo Vincent Van Gogh e di Munch.

Il dipinto è presentato per la prima volta da Mondrian nel gennaio 1909 presso lo Stedelijk Museum di Amsterdam, dove sono presenti anche opere di Spoor e di Sluyters, ed è accolto dalla critica con molta avversità.
In seguito il quadro è acquistato dallo Stato ed esposto alla Gemeente Museum di Den Haag.
La sua esecuzione è preceduta da una serie di disegni preparatori dispersi in massima parte in varie collezioni del mondo e di cui solo uno si conserva nel medesimo museo olandese.

Piet Mondrian nasce nel 1872 a Amesfoort, in Olanda.
La sua prima educazione artistica avviene presso la Rijksakademie van Beeldend Kunsten di Amsterdam.
Tra il 1909 e l'anno successivo sperimenta la tecnica puntinista e dopo aver visto le opere di Pablo Picasso e Braque esposte nel 1911 al Modern Kunstring di Amsterdam si avvicina al CUBISMO e decide di trasferirsi a Parigi.
Qui Mondrian soggiorna per due anni, dal 1912 al 1914, accostandosi alle prime esperienze astratte: il suo scopo è quello di ridurre all'essenziale la forma e il colore mediante l'abolizione delle linee diagonali e curve e l'adozione dei primari toni cromatici.
E' l'inizio del movimento neoplastico di cui Mondrian sarà il maggiore protagonista.
Nel 1917 fonda insieme a Van Doesburg e Vantongerloo il gruppo DE STIJL che estende i principi dell'astrazione formale all'architettura, alla scultura e alla grafica.
I più importanti principi teorici vengono enunciati nei molteplici Manifesti che trovano spazio nella rivista "De Stijl".
Nel 1924 l'artista lascia il gruppo a causa della diatriba con Van Doesburg, assertore dell'inserimento della diagonale nelle composizioni astratte geometriche, intese da Mondrian come un ritorno all'individualismo e alla passione.
Dopo un rapporto con le BAUHAUS di Gropius, l'artista dal 1930 si lega ai movimenti avanguardisti francesi: dapprima Cercle et Carré e nel 1940 ad Abstration-Création.
L'avvento del Nazismo costrinse Mondrian a trovare rifugio nel 1938 a Londra e quindi a New York dove si lega al gruppo degli Americans Abstract Artists e pubblica scritti sul neoplasticismo.
Nel 1942 organizza la sua prima personale presso la Valentie Dudensing Gallery dove presenta la sua nuova produzione pittorica, arricchita al contatto con la cultura americana (Broadway Bolgie-Woogie, 1942-43).
Al culmine del suo successo muore a New York nel 1944.


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ODALISCA CON LA SCHIAVA (Odalisque with slave) - Jean Augste Dominique Ingres

  
ODALISCA CON LA SCHIAVA (1842)
Jean Augste Dominique Ingres
Pittore francese
Tela cm 76 x 105
Walters Art Gallery di Baltimora
Tela cm. 76 x 105


Datata e firmata, la tela segue di poco il quinquennio di direzione di Ingres dell'Accademia di Francia a Roma. L'Odalisca è una ulteriore testimonianza del grado raggiunto dal pittore nelle sue ricerche: il colore è solo un accessorio del quadro, la linea è l'elemento portante che ne determina il ritmo e ne evidenzia le forme.
Lo stimolo della moda orientale ha coinvolto ancora una volta, totalmente, Ingres, che ha tratto il soggetto da miniature persiane, con l'aggiunta di qualche elemento «occidentalizzante», che rende più difficile la ricerca di una precisa fonte iconografica.
L'Odalisca riprende abbastanza chiaramente il Nudo di donna assopita, detto anche la Dormiente di Napoli, eseguito da Ingres nel 1808 ed oggi distrutto.
L'opera, commissionata da Carolina Murat, sorella di Napoleone, ci è nota grazie ad una serie di studi, il più famoso dei quali ancora conservato al Victoria and Albert Museum di Londra.
La figura della Odalisca del 1842 ricalca perfettamente, sia nelle forme che nella posizione sdraiata con l'avambraccio destro sollevato sopra il capo, la Dormiente del 1808.
Ingres stesso confermerebbe parzialmente una tale derivazione in una lettera all'amico Gatteaux del 7 dicembre 1840, in cui dichiara di aver utilizzato disegni «in assenza del modello vivente», forse, appunto, quelli relativi all'opera napoletana.
Delle due versioni del dipinto (Cambridge e Baltimora) esistono numerosi disegni che testimoniano il grande interesse di Ingres per il soggetto: nove, relativi alla schiava musicista, sono al Museo di Montauban; uno, posteriore, eseguito a china, si trova a Parigi; infine uno al British Museum di Londra.

L'opera rappresenta una replica variata della tela a stesso soggetto, conservata a Cambridge (Massachusetts), al Fogg Art Museum.
Nell'esemplare di Cambridge la balaustra introduce ad un interno e ci priva dell'incantata visione del giardino con il lago dei cigni, che dona tutta un'altra luminosità e lucentezza alla scena della tela di Baltimora.
Inizialmente il dipinto appartenne alla collezione di Guglielmo I di Wurttemberg, per il quale venne eseguito.
Dopo essere passato nelle più prestigiose raccolte private tedesche, pervenne, nel 1925, a quella del milionario americano Henry Walters, a Baltimora, oggi aperta al pubblico.


Il secondo soggiorno romano

Nel 1834 Ingres espose al Salon "Il Martirio di San Simpriano" (Cattedrale di Autun).
La grande pala di altare fu accolta con freddezza dalla critica.
Ingres ne fu addolorato e preferì allontanarsi per un po' di tempo da Parigi, città che sentiva ostile.
Egli chiese ed ottenne il posto di direttore all'Accademia di Francia a Roma, succedendo nella prestigiosa carica al maestro Horace Vernet.
Qui egli lavorò dal 1835 al 1840, seguito da uno stuolo di allievi; ebbe modo di approfondire la sua visione artistica ed allo stesso tempo di imprimere un rinnovato impulso culturale alla Scuola.
Il suo lavoro si incentrò nella istituzione di un corso di archeologia, di una biblioteca specializzata di arte e di musica, senza dimenticare la promozione di varie attività culturali e concerti.
Qui a Roma Ingres riprese a dipingere e portò a compimento la Odalisca con la schiava, che gli valse nel 1840 un trionfale rientro in patria, dove si moltiplicarono le commissioni.


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Louis Le Nain (1593 - 1648) - Pittore francese

Louis Le Nain
Pittore francese
(1593 - 1648)




Non è possibile affrontare la vita di Louis Le Nain senza parlare anche di quella degli altri due fratelli Antoine e Mathieu, dato che i tre lavoravano in stretta collaborazione.

Le loro opere in genere non sono firmate, oppure recano semplicemente il nome «Le Nain», quindi è abbastanza complesso riuscire a distinguere le varie mani.

Antoine, il più vecchio, nacque a Laon - Francia Settentrionale nel 1588 (+ 1648), Louis nel 1593 (+ 1648) e Mathieu nel 1607 (+ 1677).

Dopo un primo apprendistato svolto nella città natale, i tre fratelli si trasferirono a Parigi intorno al 1630.

Sappiamo che Antoine lavorò nella chiesa di Saint-Germain-des-Prés, mentre con molta probabilità, Louis e Mathieu si recarono in Italia nel 1630-1631.

I tre fratelli risultano essere membri dell'Accademia Reale di Pittura e Scultura nel 1648, anno che è anche quello della morte di Antoine e Louis.

Mathieu visse fino al 1677, fece una brillante carriera, divenne luogotenente nella milizia civica e grazie alla stima che godeva ricevette l'incarico di ritrarre il cardinale Mazarino e Anna d'Austria.

Attraverso le testimonianze di contemporanei, è stato possibile individuare le caratteristiche corrispondenti allo stile ed alla maniera di ciascun fratello..., ad Antoine sono attribuiti dipinti su rame di piccole dimensioni per lo più raffiguranti gruppi di famiglia sia dell'ambiente borghese che di quello rurale, eseguiti con colori puri e accesi..., a Mathieu, forse il più pittoresco, sono attribuiti "Il corpo di guardia", dipinto d'impronta caravaggesca e alcune tele di grande formato di soggetto religioso e allegorico.

Louis, chiamato «Le Bon Le Nain», qualitativamente il migliore, dipinse scene della vita rurale, colte con acuto spirito di osservazione..., qui voglio ricordare "Il pasto dei contadini"..., "La famiglia dei contadini"..., ambedue del 1642, dove l'intimità di miseri personaggi viene raccontata con grande poesia.


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